Breve, muy breve…

Tan solo apuntar la noticia: la Bienal de Sao Paulo, comisariada por Ivo Mesquita, se presenta sin obras, apostando por el vacío como "gesto radical de afirmación de este momento para elaborar y analizar los modelos de bienales y su papel en el mundo contemporáneo", tomando el vacío como un "lugar donde las cosas son en potencia", esto es, pretendiendo un punto cero o, al menos, un paréntesis a partir del cual sea posible un tanto de reflexión.

Es una parada en el camino.  Pero se realiza desde la necesidad de vislumbrar lo construido hasta el presente, en un segundo espacio climatizado donde se alojará una biblioteca, una sala de conferencias, un dispositivo de consulta por internet y se dispondrán catálogos "a ser posible" de todas las bienales actuales (que como se indica son ya casi doscientas en todo el mundo). Es decir, al vacío, a la nada como espacio en blanco desde el cual evitar cierta "contaminación", se le añade el aparato del archivo para poder tener al alcance la posibilidad de edificar perspectivas históricas y modulares del "evento bienal".

Bienvenidas las crisis… (la crisis es el silencio que sucede a la euforia) 

Os dejo el link de la bienal donde hay un texto en portugués muy muy clarito al respecto (o en inglés)

Bienal de Sao Paulo 

Ayer salía una noticia, cuando menos sorprendente, en El País: "El director del Macba, favorito para el Reina Sofía".

Hoy ha respondido La Razón: "Las «malas prácticas» del Reina Sofía".

Da cierta rabia darle la razón a La Razón, pero la tiene.

El País dice: "Aunque la confidencialidad es uno de los compromisos del concurso, se sabe que Borja-Villel es uno de los más firmes candidatos. Sólidos rivales son Enrique Juncosa, director del Irish Museum de Dublín y ex subdirector del Reina Sofía; Dan Cameron, historiador y crítico de arte; Gloria Moure, comisaria de exposiciones y actual responsable de ediciones Polígrafa; Javier González de Durán, cabeza del museo Artium de Vitoria, y Carlota Álvarez-Basso, directora de proyectos de la sociedad estatal de Conmemoraciones Culturales y ex directora del Museo Marco de Vigo."

Y La Razón argumenta que el hacer público los nombres de los candidatos rompe "las bases del concurso que obligan a la confidencialidad más estricta".

Más adelante El País dice: "Al parecer, Borja-Villel (…) ya ha hablado con personas de su confianza para que ocupen, en caso de ser seleccionado, los cargos de gerente, director de la colección y responsable de comunicación".

El País tiene entre su código deontológico contrastar la noticia y corroborarla al menos con dos fuentes.

Así que y aunque el artículo viene firmado por dos periodistas de redacción, una posibilidad es que en este caso (al fin y al cabo se trata sólo de cultura y, en concreto, arte contemporáneo) El País se haya saltado su código.

La otra opción es que alguien haya cantado, más de uno.

No olvidar que las noticias se corroboran con dos fuentes.

El marco de presentación de una obra resulta fundamental para nuestra recepción e interpretación de la misma. Según como esté planteada desde la sala de exposiciones, nuestra relación puede variar. Esto es algo evidente, pero cuando puedes acceder a determinados trabajos desde diferentes contextos - es decir, las mismas obras mostradas en planteamientos expositivos distintos - tomas más conciencia de ello. Aparte de nuestra propia percepción (condicionada por la intuición, la sorpresa, la inquietud, el bagaje, etc…), la construcción conceptual que rodea a una pieza en su presentación pública es básica, ya que ahí reside gran parte de la intencionalidad del hecho expositivo.

En Barcelona, en estos momentos es posible ver dos lecturas bien distintas del trabajo de Jean Fautrier. Por un lado en "Un cos sense límits" en la Fundació Joan Miró y por otra en "Sota la bomba" en el MACBA. La primera, una exposición amable que ofrece un recorrido tranquilo por ciertos momentos de la historia del arte desde múltiples aproximaciones al cuerpo, muestra los experimentos matéricos de Fautrier a partir de la figura humana en diálogo con otros artistas de intereses y momentos diversos. La segunda, una densa exposición de tesis en la línea de reconstrucción de la historia que define al MACBA, sitúa a Fautrier en la profunda crisis de valores posterior a la Segunda Guerra Mundial. Un momento en el que el arte necesita buscar otro camino y otra relación con la realidad, sin saber si realmente si esto será posible (como la famosa pregunta de Adorno: ¿Se puede hacer poesía después de Auschwitz?)

En la exposición de la Miró ves el cuerpo entendido como materia, en la del MACBA esta misma materia se convierte en herida, en trauma y en testimonio del horror. En la primera, las pinturas de Fautrier se acompañan de obras de Jean Dubuffet, Antonio Saura, Willem de Kooning, Fernand Léger o Pablo Picasso. En la segunda, Fautrier también interactúa con Picasso o de Kooning, pero aparece además acompañado de fotografías de Lee Miller sobre la liberación de los campos y otros documentos (visuales y textuales) sobre las trágicas consecuencias de la guerra y el Holocausto. Algo que expone y refleja de un modo contundente, y en este caso desde un museo de arte, como la vida - y también el arte - cambió para siempre después de aquello.  

Dos lecturas distintas de un mismo artista clave en la historia del arte reciente. Una enfocada desde la seducción por lo corpóreo en, otra desde la revisión rigurosa del momento histórico. Una que atrae y otra que repele, una que agrada y otra que duele. Dos lecturas válidas y enriquecedoras que además reflejan las posiciones de sendas instituciones frente al arte. Por mi parte, simplemente recomendar las dos exposiciones , si puede ser en un mismo día. 

La exposición comisariada por Rosa Martínez viene precedida por el mapa realizado por Juan Luis Moraza también en el enorme centro vasco-americano. La discusión sobre quién era quién (y quién no estaba) en el arte vasco surgió en la primera propuesta. En la segunda no parece que los ánimos estén tan encendidos.

Siempre está bién que, además de nombres, nos encontremos con trabajos. En la exposición actual hay trabajos críticos que actúan de escondidas. Como siempre (en positivo), Ibon Aranberri. Aranberri llena la tercera planta del Guggenheim con banderolas festivas que utilizan la estética de Chillida (reinterpredando un proyecto anterior). Todo muy festivo y vasco al mismo tiempo. Un display para la celebración desde la identidad y las señas. Pero no. Las banderolas incorporan escritos críticos y, evidentemente, las formas no generan los conceptos. Todo se pone en crisis mediante la propuesta de Aranberri. No hay ninguna fiesta (qué motivos tendríamos?), no está tan claro que la estética de una identidad sea algo que se pueda institucionalizar. Y el museo cumple 10 años.

“Ya ha terminado la segunda edición del Festival de Vídeo y Artes Electrónicas Transitio_Mx, que organiza el Centro Multimedia y el Centro Nacional para las Artes, aquí en México DF.

Justo una semana antes me tomaba una birra a las cinco de la mañana con uno de los curadores del festival, Eusebio Bañuelos, y le comentaba mis reticencias a cierto arte electronico, por endogámico y autocomplaciente, por, pese a la euforia crítica (o precisamente por eso) no resultar finalmente sino un ejercicio de exclusivo y cerrado formalismo técnico, vamos, por mirarse demasiado el ombligo, olvidando de alguna manera la realidad, lo cotidiano, el usuario común y un sin fin de aspectos similares.

Aunque no soy muy conocedor de la historia de los New Media, he leído los grandes textos que acompañaron su aparición, grandes en el sentido marxista, grandes por utópicos y absolutos. Hubo una etapa donde al parecer bastaba con envolverse del virtualismo de la web, confinada la única posibilidad de salvación del mundo en la recreación del mismo en un sistema paralelo. Las cuestiones y los debates que producía el entorno real se depositaban allí, (ejemplo paradigmático: del feminismo al ciberfeminismo). Quizás se trataba tan solo de expectativas, de una confianza casi ciega en el efecto del retorno, imaginando algo así como que la web funcionaría a modo de espejo, que luego proyectaría sobre la realidad los cambios singulares obtenidos en lo virtual. En el fondo este momento de euforia del medio seguía parapetándose en una division radical respecto a la realidad. Realidad y Virtualidad eran dos terminos separados por un muro infranqueable. Los viajes de un lado al otro eran unidireccionales. Lo que interesaba no era lo híbrido o el doble viaje sino simplemente la inmersión: navegar.

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Nuevo número de la A-Desk Revista. Como siempre esperamos aquí vuestros comentarios y reacciones. Este es su contenido:

N20 06 11 07

Editorial: Esfuerzo previo.
A-DESK

Una colección viva
Sobre “Existencias” en el MUSAC de León
MONTSE BADIA

En el horizonte
Sobre Patricia Dauder en ProjecteSD (Barcelona)
MILENA PI

El antihéroe y la ley
Sobre “Hércules (Autorretrato en devaluación económica y plusvalía cultural)” de Pep Agut en Àngels Barcelona
NIZAIA CASSIÁN

B-DESK
Gerontofilia Selectiva
ROBERTO ENRÍQUEZ

(Aero)modelismo
A partir de “Bajo la bomba” en el Macba (Barcelona)
DAVID G. TORRES

Made in Japan
Sobre “Tradición y modernidad” de Aya Takano. Espai 13 Fundació Joan Miró
DAVID ARMENGOL