Una muñeca-barbie no tiene singularidad.

Recibe esa especie de personalidad mediante asignación y tras un pequeño proceso de apropiación debida por parte del niño o niña que la tiene. Solo a partir de entonces, vestida de enfermera, con rastas, con chicles en el pelo o decapitada, la muñeca-barbie puede sentirse singular.

La singularidad es una de las propiedades de la legitimación artística. Todo objeto o práctica pasado por el filtro de tal legitimación se convierte en singular.

Cuando Arthur C. Danto entrevé en las Brillo Box de Warhol un interesante dilema filosófico (la indiscernibilidad entre el objeto artístico y el real) parece no tener en cuenta que el objeto artístico se difiere per se del real.

Es decir, ¿por qué el dilema filosófico se encuentra en el objeto?. ¿Por qué no se encuentra en la persona?. ¿Qué especie de influjo pernicioso lleva al artista a querer fundirse con lo real?

Esta otra pregunta no deja el interés de Danto fuera de la piscina. Al fin y al cabo las Brillo Box ponen en marcha el mecanismo de apertura de una nueva época posthistórica, un después de, y es en tanto así que Danto elabora la cuestión: la impresión que le produjeron esas cajas de supermercado en aquella exposición de 1964 se tradujo más tarde en una intelectualización que ponía límites a una época, la mataba, y saludaba a otra. Pero con la pregunta enfocada al artista la división permanece: podemos seguir viendo una posthistoria. ¿Por qué el artista posthistórico se empeña en diluirse en lo real manteniendo su status?

Cuando Danto elaboró su teoría el personaje de Warhol era demasiado especial, centraba demasiados flashes en su persona como para pensar en un interés por diluirse en lo real. Warhol quería todo lo contrario: evaporarse en la fama, vivir esa plana superficialidad con la cual condecoraba a sus ídolos, una y otra vez, varias veces en un mismo cuadro. En la sociedad-Warhol, como en el devenir del principio entrópico de Smithson, todo se iguala, el dolor y el placer, la belleza y lo abyecto, en un mismo tipo de imagen plana. La sonrisa de Marilyn no posee más vitalidad que la silla eléctrica. Están tratados con el rasero de la serialización, una rutina propia del adicto al prozak. Lo bueno y lo malo son mirados indistintamente, como hechos en un mismo grado de la existencia. Y esto no por una cuestión de falta de criterio, sino por un sistema que contempla exclusivamente la tercera mirada, ni el fondo emocional del artista, algo contra y en lo que en aquella época trabajaban los artistas importantes para Warhol (Johns y Rauschenberg), ni el fondo racional o discursivo (algo que la tendencia procesual del arte estaba empezando a descubrir). Warhol exponía la tercera mirada: la de la imagen, una fuerza brutal encaminada a indiferenciarlo todo. Esta tendencia la inicia con la reproducción de las portadas de periódicos, no solo de terribles accidentes aéreos o de carretera, sino también con imágenes de la familia Kennedy reunida tomando el aperitivo. Warhol es tan sumamente equidistante porque lo que apremia su interés se reduce obcecadamente al marco plano de un periódico. Su premisa no es tanto lo que ocurre dentro (o fuera) como lo que ocurre entre.

Ahora bien, desde mi perspectiva (cuarenta años más tarde que el primer Warhol significa entre otras cosas cuarenta años más tarde que el primer Warhol), y saliendo al paso del tema Duchamp y su vida como arte (leer post de David G. Torres sobre la biografía de Duchamp de Bernard Marcadé), la entropía warholiana, retomada por el cáustico Baudrillard, esto es, la persona anulada por el personaje, cual invasión de los ultracuerpos, se nos muestra de la misma índole: en el fondo, Warhol hizo de su vida un arte, hasta tal punto que pudo escribir su propia "filosofía de tocador".

Evanescencia de los límites: la barbie espera que le corten la pierna izquierda para ser asumida como un objeto singular. Duchamp o Warhol -o cualquiera de nosotros: yo mismo, ¿why not?- es ya un objeto singular: y de ahí su atractivo: de la voluntad de objetualizarse, convertirse en fantasma de uno, en mercancía de uno, en imagen de uno: operación de vacío a la par que complexión plena de todos los resortes que espectacularizan la vida… Ese es el camino Duchamp-Warhol (y, por supuesto, Duchamp-Beuys y Warhol-Beuys… Beuys, ese otro gran espectacularizador). Un proceso inverso al de la muñeca-barbie. Un proceso que surge en cambio del mismo punto. Tal vez del primer retrato, contemplado con asombro por el primer retratado. De ese retrato se generaría al cabo de los siglos una barbie que reproduce códigos y cánones del cuerpo. Pero a su vez, de la contemplación fascinante del uno mismo en el retrato, del pasmo ante el descubrimiento del doble, se habría generado al cabo de los siglos, cine mediante, una concepción dual de la experiencia vital. Habríamos alcanzado de tanto observarnos esa tercera mirada warholiana.

Entrevistas realizadas durante la inauguración de Documenta 12 en Kassel el 14 y 15 de junio, más un recorrido fotográfico a lo largo de las diferentes sedes de la exposición.

Inauguramos nueva sección (pestaña): A-Desk Media. En ella iremos publicando, sin periodicidad fija, pequeñas entrevistas, vídeos, cortes de audio, imágenes, etc. 

A-Desk Media responde a la vocación comunicativa que desde sus orígenes ha tenido A-Desk y a un deseo creciente por intensificar y diversificar las formas de acercamiento al arte y, como no, de operar discursos críticos desde diferentes plataformas, medios y formatos.

Iremos anunciando la incorporación de nuevos elementos en A-Desk Media desde este blog que, como siempre, queda abierto a vuestros comentarios.

Abrimos esta sección con una serie de entrevistas realizadas durante los días de la inauguración de Documenta 12 en Kassel y un breve paseo fotográfico por las exposiciones y piezas mostradas en el evento.

Ha pasado otra convocatoria de becas del departament de cultura de la Generalitat. Cuentan de largas colas para entregar las solicitudes. Uno se imagina a muchos artistas, gestores o comisarios escribiendo frenéticamente sus proyectos para llegar a la fecha de presentación. Todos escribiendo proyectos en el mismo momento, para entregarlos a este ente superior que decidirá si se realizan o pasan al olvido.

De nuevo insistir sobre los ritmos. Y sobre quién marca los ritmos. Me pregunto sobre los motivos para fijar fechas de entrega de los proyectos (y las montañas de papeleo burocrático seguramente prescindible), ya que a lo mejor sería mucho más productivo tener siempre las puertas abiertas. También sería más complicado dirían desde la administración, pero es la propia administración quien decide dificultarse su trabajo mediante infinidad de barreras burocráticas que sirven únicamente para frenar posibles proyectos, olvidando sus supuestos objetivos.

Equipos de trabajo capaces de responder a las necesidades del momento, con voluntad real de producción, con la flexibilidad necesaria para adaptarse a los proyectos y no pedir que sean los agentes activos quienes tengan que adaptarse a los corsés impuestos.  Tenemos bastantes ejemplos de estructuras que funcionan según estos parámetros.

También tenemos ejemplos de funcionamientos donde aquellos que reparten el capital marcan no únicamente las fechas de realización de los proyectos,  sino también los temas a tratar, los formatos y cómo se tiene que trabajar. Sistemas de control que trabajan bajo principios de caridad, casi.

Saludamos dede aquí al nuevo blog de Jeffrey Swartz (http://barcelonacultureblog.blogspot.com/) y recomendamos la lectura de su primer post sobre el Consell de les Art. Una reflexión más que oportuna.

Nuevo número de la revista de A-Desk.

Este nuevo número de la revista de A-Desk lo dedicamos exclusivamente (con la salvedad de la sección B-DESK a cargo de Roberto Enríquez) a publicar críticas de exposiciones: la 52 edición de la Bienal de Venecia por David G. Torres, "un teatro sin teatro" n el Macba por Nizaia Cassián, David Shrigley en CAB. Centro de Arte Caja de Burgos por Montse Badia, “La Société Anonyme” en Le Plateau de París por Beatriz Herráez, a propósito de Markus Dagerman por Martí Manen, sobre la presentación de la colección Suñol en Barcelona por Milena Pi y “Había una vez un niño muerto” en el Centre Cívic Can Felipa de Barcelona por David Armengol

Como siempre, podéis dejar vuestras réplicas y comentarios aquí.

Recién llegada la nota de prensa de Documenta 12 a proposito de la participación de Ferran Adrià:

PRESS RELEASE

"I have invited Ferran Adrià because he has succeeded in generating his own aesthetic which has become something very influential within the international scene. This is what I am interested in and not whether people consider it to be art or not. It is important to say that artistic intelligence doesn't manifest itself in a particular medium, that art doesn't have to be identified simply with photography, sculpture and painting etc., or with cooking in general; however, under certain conditions, it can become art." Roger M. Buergel

For Ferran Adrià, the invitation from the documenta 12 meant "developing the form of his artistic contribution from the ground up."
The form Ferran Adrià has found to link the culinary world of avant-garde cuisine to the world of art consists in simply turning his restaurant elBulli in Cala Montjoi (English: small bay of Montjoi) into a documenta 12 exhibition site. Any other form would have meant foregoing the unique experience of a visit to elBulli and would therefore not have done justice to Ferran Adrià's complex culinary art. For according to Adrià "only those who eat can understand".

As a result, throughout the 100 days, the 50 guests received by Adrià each evening in the fully-booked elBulli will also become exhibition visitors.
But how will elBulli be integrated into the documenta 12 in Kassel in a concrete manner? This will be achieved through the visitors to the documenta 12 in Kassel. Arbitrarily selected by Roger M. Buergel, they will be asked whether they would like to experience an authentic evening meal at elBulli, taking a short trip to the Cala Montjoi.

Ferran Adrià believes that his intervention includes reflections and discussions between different people from the fields of art and cuisine. He was joined by Marta Arzak, Assistant Director for Education at the Guggenheim Museum in Bilbao and Josep Maria Pinto, co-author of the catalogue "El Bulli 1998 - 2002" in developing the work.
With the support of Ajuntament de Roses; Caixa Girona; Patronat de Turisme Costa Brava Girona

¡Está que arde!

Bajo el lema “Cultura Catalana Singular y Universal”, hace a penas unas horas el Intitut Ramon Llull ha hecho público el listado de autores que irán a la feria de Frankfurt del próximo octubre (del 10 al 14).

Un listado que recuerda a otros polémicos listados recientes: Documenta, Venecia… ¿Quién entra, quién se queda fuera? Y aún más problemático ¿que rasgos son los escogidos para construir una identidad y dar portazo a otra? ¿Es la lengua, el lugar de nacimiento… Es una cuota o porcentaje?

Singular y Universal. Y mientras tanto, desde Alemania -un país en donde el nacionalismo levanta ampollas, perplejidad o risa- se nos recuerda: "Tal vez habría que seguir el ejemplo de Ramon Llull… Llull hablaba una docena de idiomas, entre ellos latín, hebreo, árabe, francés, español y catalán. Si alguien le hablaba, se cuenta, siempre contestaba en el idioma de su interlocutor”.

La revista de A-Desk sale el primer lunes laborable de cada mes. Esta vez no.

Saldrá a final de esta semana, marcados por los ritmos de eventos como la inauguración de la Bienal de Venecia este fin de semana, del cual queremos dar alguna cuenta. Un número que en esta ocasión dedicaremos exclusivamente a críticas de exposiciones.

Asimismo, en la semana que viene intentaremos abrir nuevas secciones que se sumarán a la revista, el blog, la agenda y la pestaña formación

Una entrevista rápida con René Block, comisario del pabellón nórdico en esta edición de la Bienal de Venecia.

MM: We can see, in your selection for the Nordic Pavilion, an interest on political matters and identity, as for example in the cases of Adel Abidin, Sirious Namazi or Lars Ramberg.  Has the relationship between the individual and the politics an specific importance within the Scandinavian context?The discussion about imigration is very present at a media level in countries like Denmark or Sweden. Is the pavilion trying to bring this discussion around background and identity to another level?

RB: The two last exhibitions which I curated have been "Love it or Leave it" (Biennale of Cetinje,Montenegro, 2004) and "Art,Life & Confusion" (October Salon, Belgrade,2006.) Both have not been curated as "political" exhibitions but both of them contained quite clear and strong political statements. So does also this Year's Nordic Pavilion in Venice.The exhibition might function as a mirror of the society, it's pleasures and it's pains. As a curator I am certainly not a lawyer of migration cases but rather interested in the artists messages and the way they bring them into a specific form. If the Pavilion will be able to bring an existing discussion to a another level than this will happen also because of the different context and not by intention.

MM: One of the last projects produced at NIFCA was dealing with the concept of colonialism. Can we find something like this in the artists works? is there a distance between the theory and the practice?

RB: There is always a distance between the theory and the practice. And I must say I am glad about this.MM: Iaspis presents at  the Biennale publications but not artists. Is there a change of paradigm? Is the Biennale a place for the intellectual discussion?

RB:The Venice Biennale is an event which covers everything from entertainment to intellectual discussion.

MM: What do you think about the fact that there is no Scandinavian artist in the official selection?

RB: The Nordic pavilion with seven artists from Finland, Norway and Sweden is the official selection. We should never forget that the national pavilions in the Giardini make the Venice Biennale. The large exhibition, accompagnying this event, is a personal show of one curator and gives only information about his taste and visions. In two years someone else gets this position.

MM: The political situation in the different countries in Scandinavia is modifying the contemporary art structures. How is it going to affect to the artists?

RB: Unfortunately I do not know enough to answer this. And probably it is handled different in the three countries. But it sounds a bit like a Farewell to the Welfare Situation.

MM: What is the relationship between the works presented at the Nordic Pavilion?

RB: The exhibition is designed in a way, that there is no physical relation between the works. Each installation stays isolated. No Nordic family this year. No "Welfare"-feeling. It starts with the fact that the artists from Finland, Norway and Sweden had never met before our first common meeting in January in Venice. But I hope that we manage to give a clear and very special contribution  to this Biennale in 2007.