La feria Loop que está teniendo lugar estos días en Barcelona ha ido adquiriendo, con el tiempo, un curioso formato gymkhana por todo lo largo y ancho de la ciudad. Con la ayuda de un mapa-catálogo y organizado por barrios, el paseante-espectador puede ir descubriendo los diferentes vídeos e instalaciones que se intuyen a través de escaparates, detrás de mostradores o camuflados entre perchas, maniquís, mesas de bar y demás utensilios según la tienda que los acoja. Y entre tanta obra y visiteo quisiera destacar la propuesta que Anna González Suero (Miami, 1980) presenta en la tienda OnLand, de la Calle Princesa 25.

Se trata, de hecho, de una propuesta doble: el vídeo-documentación de una performance (“Belgium”, 2003) y, sobre todo, el vídeo “Was bleibt” (2006), que en alemán y desde Alemania nos pregunta ¿Qué queda?

Qué es lo que queda en la memoria de 36 ancianos -53 en la versión extendida- que sufren demencia, y que sólo recuerdan eso que se almacena en la parte del cerebro conocida como memoria a largo plazo.

Como indica Anna, en las residencias alemanas se ejercita la memoria con refranes, ya que éstos, por su rima o cadencia, son las últimas grabaciones en desaparecer. “A quien madruga Dios le ayuda”, “En casa de herrero cuchara de palo”, “La prudencia es la madre de la ciencia”… o “Getailtes Leid ist halbes Leid”, “Einmal is keinmal”, “Wer den Pfennig nicht ehrt ist des Talers nicht wert”…

El vídeo es el registro de estas 36 personas, que recitan 36 proverbios con sus 36 explicaciones. A veces literales, a veces ejemplos, o a veces relatos personales en los han echado mano de uno de ellos. Unos refranes, que mientras perduran en la memoria de los más mayores mueren al no ser memorizados por las generaciones jóvenes.

La cinta se acompaña de una instalación a base de notas post-it, uno para cada refrán, con su correspondiente traducción y el nombre del anunciante. Son post-it  porque así es como la gente anota lo que no quiere olvidar, y porque así  los visitantes pueden llevarse uno para aprenderlo y recordar.

Yo me llevé este: Kommt Zeit, kommt Rat / Ven tiempo, ven consejo, por Elbe Weber (*1921)

Hacer televisión parece cada vez más fácil. La red se convierte en un espacio para colgar contenidos que pueden llegar a los usuarios deseados. 

Artivi muestra la actualidad de galerías francesas y americanas. Su objetivo comercial es evidente y la cantidad de información emitida es más que destacable.La propuesta se presenta únicamente en la red, generando contenidos y pensando en un tipo de consumidor muy concreto.

Good tv entiende la televisión como un espacio válido para colgar material artístico. Utilizando un canal libre, Good tv emite trabajos videográficos para ser recibidos en televisores convencionales.

Tv-tv podría definirse como una plataforma activa sobre lo que puede ser la televisión artística. Empezando como Good tv (utilizando un canal libre) tv-tv también emite televisión convencional, pero funciona como una plataforma artística y flexible para distintos grupos con ganas de plantear discusión.

Objetivos completamente distintos. Modelos complementarios?

http://www.artivi.com

http://www.goodtv.se

http://www.tv-tv.dk

Acabo de empezar a leer la biografía que Benard Marcadé ha escrito de Marcel Duchamp. Ya en las primeras páginas, la emoción y el ansia devoradora al comprobar el magnífico trabajo de Bernard Marcadé va en paralelo al odio creciente que tengo hacia la que escribió Calvin Tomkins. Recientemente hablaba de ello con Josep  Casals (que hace mil años me dirigió una tesina sobre Duchamp y Mallarme, que algún día retomaré): de lo mezquina que era la biografía del americano. Sin embargo, Marcadé parte de una tesis fundamental: que la mejor obra de Duchamp fue su vida. Lo cual implica una aparente contradicción con el hecho de tratarse del artista "intelectual". Pero el mismo Duchamp insistió en ello repetidamente, que su obra era la economía de su propio tiempo o, más duchampiano, se puede ser un artista sin serlo?.

Y hay más cosas a destacar ya en las primeras páginas de esta biografía. De entrada, la impresionante documentación de la que hace gala; y las constantes referencias a la obra posterior de Duchamp a partir de pequeños datos de juventud.

De paso, sirve para rescatar algunas cosas olvidadas o simplemente desconocidas (la ignorancia es un terreno inmenso que recuperamos parcela a parcela). De entre ellas, me ha llamado especialmente la atención la referencia a los Fumistes: un grupo de caricaturistas y dibujantes furibundos, escatológicos y auténticos Dadá avant la lettre, a los que Marcel Duchamp frecuentaba.

A la palabra impacto la hizo madurar hacia fines del s. XIX la consolidación del proyectil como forma desarrollada de matar a distancia. Al principio sólo definía un choque fatal, pero luego también significó la huella o el rastro de tal choque. Impulsado por esta mezcolanza de causa y efecto, el impacto sobrevoló la metáfora hasta aterrizar en nuestra relación con ciertas propuestas expresivas, ya fueran un cuadro, una expo, un film, un concierto o un mitin político. La estructura de lo impactante se encuentra en la base del proyecto moderno y casa con absoluta fidelidad con el eje de la mirada, con los dispositivos de escenificación y con la distancia tanto en el sentido aurático de Benjamin, en el sentido criminal de los surrealistas, o en el sentido emocional del punctum de Barthes. O sea que no digo nada nuevo.

Tras este comienzo de paulatina reverberación teórica, incido en proyectar una información que quizás ya habéis atisbado, advertido o regurgitado. Pero de la que supongo os haréis una opinión.

Experiencias estéticas, conceptuales, contextuales, etc etc que nos cambian la vida… Nos impactan creando un nuevo camino en nuestro interior por el cual, a través de una decisión cargada de inocente fundamentalismo (como lo utópico: imposible a la vez que necesario), echamos a andar esperando reencontrar en nuevas ocasiones el mismo impacto, la reedición del choque.

En cierta ocasión, en el workshop de práctica crítica de A-Desk al que asistí, recuerdo que David G. Torres comentó lo que supuso para él una exposición determinada. Aquello le alumbró una forma nueva de entender el mundo. David Armengol dijo haber sentido lo mismo con un concierto determinado. En mi caso, añadí yo, fue una película (no una determinada, sino en serie, la experiencia fílmica).

Ahora en la facultad de Bellas Artes no se habla de otra cosa que de la expo recién desmontada de Janet Cardiff y George Bures Miller (al que nunca mencionan). El impacto de esta expo ha sido brutal. El trabajo de muchos estudiantes ha cambiado de formato a lo largo del curso y este año las salas de audio del laboratorio de la facultad se han masificado. Todos se han lanzado al sonido. La empatía producida por "The Killing Machine" puede ser explicada de muchas maneras, no entraré a eso. Sólo quería apuntar este detalle.

Y este otro. Yo me la perdí.

Expo de la década, dicen algunos. El último día, un martes lloviznero, la cola formaba espirales por la plaza de Joan Corominas, cual motivo timburtoniano (exagero, claro, pero no tanto como pueda parecer). Reacio a la espera, fui a tomarme un café. Y allí me quedé. Desde entonces no hago otra cosa que saltar de mesa en mesa en los jardines de la facultad huyendo de conversaciones que refieren el impacto de "The Killing Machine". Parezco una rana incómoda. El "me la perdí" se me repite mentalmente en ausencia del impacto. O, más bien, como reflejo del impacto en los demás. En parte es como si me hubiera desgajado, por un momento, del tiempo en el que vivo. Por suerte es una sensación fugaz. 

Ayer visité la exposición de Pipilotti Rist en Magasin 3. Para empezar, Magasin 3. Espacio artístico que ocupa un silo de uno de los puertos de Estocolmo. Para llegar allí, tardas unos 50 minutos desde el centro en autobús. O sea, no es nada fácil llegar. Una de las soluciones que han encontrado para superar este escollo, aunque parezca una paradoja, es abrir menos días de la semana. Si abren menos tienen más visitas. De jueves a domingo.

Y entonces, qué pasa? pues que cuando vas a visitar una exposición hay gente. No te encuentras con el vacío de público que, en muchas ocasiones, te hace dudar de si todo tiene sentido. Los gastos evidentemente bajan y se puede ofrecer un buen servicio cuando se abren las salas, ya que aquellos que trabajan cara al público no tienen el cansancio acumulado de la rutina semanal. De algún modo, la exposición se eventualiza. con el peligro que esto también conlleva.

Puede sonar a tontería, pero una tradición de buenas exposiciones crea también un interés por parte de los públicos. La exposición de Pipilotti Rist viene precedida de otra de los hermanos Chapman, así como de una instalación de Janed Cardiff y George Bures, y de 10 años de programación.

La exposición de Pipilotti Rist es tan precisa que es difícil comentarla rápidamente. Logra que el tono de los trabajos crezca y llegue perfectamente a sus usuarios, favorece que elementos no narrativos entren sin ningún problema en las dinámicas de observación, y se generan las atmósferas necesarias para que cada trabajo tenga su propio foco de interés. El trato emocional pasa por encima de todos los factores, generando una aproximación especial con aquello con lo que - de un modo bajo- se interactúa.

Un pequeño detalle, las instalaciones de vídeo se presentan con un audio -de calidad- en volumen tirando a bajo. Y funciona muy bién. El trabajo no se come a los espectadores, los acoge uno a uno.

Desde hace unos meses sigo con creciente interés el blog coment_arte.

Una iniciativa estupenda por dos motivos relacionados: primero, porque en él colabora gente de una generación reciente en Barcelona (gente como Ana Garcia-Pineda, que también colabora por aquí, y otros que se han mostrado especialmente activos en nuestro blog, cosa que apreciamos y agradecemos especialmente); y, en segundo lugar, por apostar por la discusión, por hablar de las cosas en arte, discutir y comentar sin tapujos, olvidando el insulto y la rabieta (que habían campado a sus anchas por ahí).

Como dice Montse Badia, quizá sí, pero quizá sí sea posible empezar a trabajar en un contexto de discusión, para el que sin duda la web ofrece herramientas que no debíamos esquivar.

Lo dicho, desde aquí, y al acecho de encontrar la ocasión para replicar, todo mi apoyo.

Se acaba de inaugurar Swab una feria de arte contemporáneo en Barcelona, que se anuncia como un experimento (swab, los algodones que se utilizan para tomar muestras en los laboratorios) mesurado (en cuanto a dimensiones). Nace desde una iniciativa particular y cuenta en primera instancia con la participación de las galerías más o menos próximas al impulsor de Swab. 

Quizá sí, quizá se ha terminado el momento de los mega-eventos-super-ambiciosos y más que unos pocos macro tenga más sentido la existencia de muchos micro. Swab, Loop (que se inaugurará pronto y que también apuesta por la especialización)… Sin duda, es mucho más efectivo actuar en el ámbito de influencia que es posible controlar: one's arm lenght (algo así como  el radio de acción que abarca el brazo extendido). 

Nuevo número de la revista de A-Desk.

Publicamos en esta ocasión una larga entrevista a Catherine Millet, directora de Art Press desde 1972. Y un DOSSIER dedicado al Workshop 02 que realizamos el mes pasado en Hangar. En él incluimos algunos de los textos resultantes.

Además, críticas de las exposiciones "Piece by Piece" en la galería dels Angels, “Claes Oldenburg – Coosje van Bruggen. Escultura, tal vez” en la Fundació Joan Miró, ambas de Barcelona, y “What does your wife think of your rough and dry hands” de Monica Bonvicini y “Zoo” de Salla Tykkä en Bonniers Konsthall de Estocolmo. insistimos en nuestro interés en abrir A-Desk a más voces y opiniones y publicamos un texto crítico de Martí Peran desde Brasil. Por último, Roberto Enríquez en la sección B-Desk aborda la exposición "La música y el III Reich" en La Pedrera.

Como siempre, podéis dejar vuestras réplicas y comentarios aquí.